Ordre
c’est la moitié de la vie

Nansen & Piccard : M. Hansen, vous n’avez aucune formation en photographie et pourtant vous êtes devenu un photographe qui impose son style. Avez-vous eu de la chance ou une vision claire de votre carrière ?

Hans Hansen : Les deux. Une vision claire de ce que je voulais vraiment. Et beaucoup de chance.

Vous avez en fait étudié les arts graphiques à l’Académie des arts de Düsseldorf. Comment êtes-vous devenu photographe ?

Tout d’abord, j’ai fait un apprentissage de lithographe avant d’entrer à l’université et je voulais en fait étudier la typographie à Stuttgart. Malheureusement, cela n’a pas fonctionné. J’ai ensuite commencé des études de graphisme à l’Académie des arts de Düsseldorf sous la direction de Walter Breker. Je dois expliquer qu’à l’époque, il y avait deux filières : l’une de « graphisme appliqué », proche de la publicité, et l’autre de « graphisme libre », qui relevait de l’art. J’ai étudié les arts graphiques appliqués. Dans ma classe, j’ai d’ailleurs fait la connaissance de Bernd et Hilla Becher – tous deux nettement plus âgés que moi, mais qui n’étaient pas non plus dans la filière artistique.

Pourquoi n’avez-vous pas étudié la photographie ?

À mon époque, il n’y avait tout simplement pas de photographie à l’Académie. Mais bien sûr : mon intérêt était de travailler avec un appareil photo et je me suis très vite passionné pour la combinaison de la photographie et du graphisme.

Ce regard graphique est devenu par la suite un leitmotiv dans son travail photographique. Leur œuvre la plus célèbre est peut-être la VW Golf de 1988, triée en ses 7000 pièces détachées.

Exactement. Il m’a d’ailleurs fallu quatre jours pour prendre cette photo… Mais pendant mes études, j’ai dû m’occuper de tout autre chose. A l’Académie, on enseignait simplement le graphisme, de la conception de livres à l’affiche. Pas de photographie, bien qu’à l’époque, les photographies étaient déjà essentielles à toute publicité.

Était-il déjà clair pour vous à l’époque que vous vouliez faire de la publicité ?

Certes, la publicité ne m’était pas étrangère au début de ma carrière. J’avais aussi un certain intérêt pour cela, mais ce n’était pas ce que je voulais faire principalement. Je n’étais pas du tout fixé sur ce point au début. Je ne voulais pas nécessairement faire de la publicité – mais je ne voulais pas non plus faire de l’art. L’art n’a jamais été un sujet pour moi. Je voulais simplement prendre des photos.

On dirait que l’Académie des Beaux-Arts n’était pas tout à fait l’endroit idéal pour vous…

J’avais simplement des intérêts différents de ceux de mon professeur. Je voulais faire de la photographie et lui, par exemple, voulait que je fasse de la linogravure pendant un semestre. Je n’ai pas été un rebelle, je n’ai jamais aimé les conflits. J’ai donc cédé et me suis consacré à la linogravure. Pour cela, je me suis enfermé dans ma chambre d’étudiant et j’ai travaillé tous les jours sur le projet – simplement parce que je voulais en finir le plus vite possible avec le sujet. Je l’ai fait de manière tellement cohérente que je ne suis même plus allé à l’académie. Puis un jour, à la fin du semestre d’été, j’ai reçu une lettre du directeur de l’académie. Persona non grata. Expulsion. C’est tout. C’était en 1962. A partir de là, je me suis soudainement retrouvé seul.

Qu’avez-vous fait après avoir été renvoyé de l’école d’art ?

Ensuite, j’ai simplement commencé à travailler. Eh bien, il fallait bien que je le fasse. Par chance, une coïncidence s’est produite avec un designer finlandais, l’un des plus grands noms. Nous avons eu une longue et incroyable conversation sur le langage des formes et tout le reste, et pour le remercier de cette conversation, je lui ai offert une photo de mon portfolio. Apparemment, j’ai réussi à l’impressionner avec cette photo, car il m’a contacté quelque temps plus tard pour me demander si je ne voulais pas photographier ses objets en verre pour lui.

Qui était ce designer ?

C’était Tapio Wirkkala, un très grand nom à l’époque. Photographier ses œuvres en verre pour lui, après l’Académie, n’était pas seulement une aubaine pour moi, mais aussi une énorme opportunité en tant que jeune photographe. J’admirais son travail depuis longtemps, et plus particulièrement les objets en verre. Et c’est elle que j’ai eu l’honneur de photographier, à vingt-deux ans, alors que je n’étais rien, pour un designer de renommée mondiale ! C’était le début de ma carrière et ma première mission. Ma collection de verre a commencé à cette époque et se trouve maintenant au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg.

Avez-vous réussi à répondre à ses attentes ?

La mission a heureusement été un succès. Comme je connaissais déjà ses œuvres en verre, j’ai tout de suite eu une idée de la manière dont je voulais les photographier. J’ai également eu beaucoup de liberté sur ce projet. Wirkkala était nettement plus âgé que moi et s’est rendu compte que je connaissais bien le domaine de la photographie. Il m’a simplement dit : « Fais-le ! J’ai donc fait ce que je pensais être juste et je lui ai envoyé les photos par la suite. Il était très satisfait, elles ont été publiées et c’est ainsi que j’ai commencé ma carrière dans la photographie publicitaire.

Ils ont également réalisé des campagnes pour Lufthansa, après qu’Otl Aicher a créé l’identité visuelle légendaire de la compagnie aérienne.

Oui, mais mon entrée en matière était beaucoup plus banale. Dans un premier temps, je devais effectuer de petites tâches. Photographier des cadeaux, ce genre de choses. Je l’ai bien sûr fait très gentiment et cela m’a fait du bien. En effet, à l’exception de la première commande pour Wirkkala, je n’avais aucune expérience dans le domaine de la photographie professionnelle. C’était beaucoup d’apprentissage par la pratique. Il ne restait pas non plus beaucoup d’argent à la fin des missions. En effet, j’ai dû investir tout l’argent récolté directement dans le projet suivant. Même si j’étais déjà au régime sec avec mes matériaux. J’ai continué ainsi pendant un certain temps, jusqu’au jour où Lufthansa m’a envoyé à Madrid pour un projet. Je devais prendre les photos dans l’avion en cours de route. C’était quelque chose de spécial – Francfort-Madrid était à l’époque le plus long trajet aérien en Europe. J’ai donc emballé mes Nikon, mon passeport et un peu d’argent et je suis monté dans l’avion. Les photos sont alors devenues assez bonnes et c’est ainsi que j’ai commencé à continuer à être envoyé sur des vols. D’abord à Boston, puis d’autres voyages en Amérique, en Afrique, en Asie, dans les Caraïbes. -En cours de route, j’ai toujours pu nouer de nouveaux contacts et créer des réseaux. En fin de compte, mon travail chez Lufthansa m’a permis d’entrer en contact avec une agence new-yorkaise qui faisait alors des choses pour Volkswagen.

Votre carrière est donc construite sur la chance que vous avez eue de parcourir le monde ?

J’ai surtout eu la chance que l’avion qui devait me ramener de Madrid en Allemagne soit surréservé et que je sois resté bloqué trois jours dans la capitale espagnole. Que devrais-je donc y faire ?

Des photos ?

Exactement. J’ai pris des photos, j’ai photographié la ville, plutôt des motifs de carte postale. Ils ont adoré ça chez Lufthansa. Et ils m’ont demandé : « Vous ne voulez pas aller à Boston pour prendre des photos pour nous ?

Aujourd’hui, tout le monde a accès à une caméra. La technologie est telle que chacun peut faire générer des images artificielles depuis chez lui. Que pensez-vous de l’évolution actuelle ?

Honnêtement, je suis plutôt critique à l’égard de tout cela. Je pense que si nous ne maîtrisons pas l’I.A., nous avons perdu. La photographie se bloque alors, et très rapidement. Elle va disparaître.

Son influence sur la photographie de produits contemporaine des dernières décennies est énorme. Sans leur regard sur les produits et les objets, il serait difficile d’imaginer des représentations de marques modernes comme celle d’Apple. Qu’est-ce qui vous fascine dans la photographie de produits ?

Je ne suis pas fondamentalement intéressé par certains produits. Bien sûr, j’ai toujours photographié des voitures, des avions et même du verre, mais je suis fondamentalement intéressé par ce qui se cache derrière. Nous vivons dans un « monde de choses » et tout ce qui est naturel est loin. Notre environnement, pour s’en tenir à notre langage, est tout d’abord matérialiste. Tout ce que nous utilisons, tout ce qui nous entoure, ce que nous portons, quoi que ce soit – tout est artificiel. D’un côté, je suis bien sûr intéressé par l’aspect des surfaces, mais je suis bien plus fasciné par qui ou quoi se cache derrière un produit et pourquoi une personne a créé cette chose.

Cela fait plus de 60 ans que vous faites de la photographie. Ils ont travaillé pour des clients prestigieux tels que Porsche, Mercedes ou Vitra, et leurs travaux ont été imprimés dans « Life » ou « Paris Match ». Y a-t-il une mission que vous n’oublierez jamais ?

Beaucoup. Les anecdotes sont nombreuses. En fait, je me suis souvenu d’une expérience extrême la nuit dernière. J’ai assisté à une production pour Fiat à Turin au début des années 1970. A l’époque, je travaillais déjà pour l’agence new-yorkaise Carl Ally. Je devais prendre des photos en parallèle avec une équipe de tournage pour un spot publicitaire. Nous avons d’abord travaillé à Rome, puis à Turin. Le spot mettait en scène la nouvelle Fiat 124 filant à toute allure dans des scénarios vraiment extrêmes. A Turin, une scène devait être tirée, dans laquelle la voiture vole dans les airs d’un toit à l’autre. Sur l’un des toits, une rampe a été cimentée dans le sol et sur l’autre, une piste d’atterrissage a été construite avec un énorme mur de tubes métalliques pour éviter que le véhicule ne s’engouffre dans la climatisation de l’usine. Le tout a été calculé avec précision au préalable par le cascadeur. Il s’agissait d’un effort considérable et d’un nombre incroyable de personnes.

Quel était votre rôle dans le shooting ?

J’étais en bas, entre les deux bâtiments, avec mon assistant, et je devais capturer l’instantané de la Fiat dans les airs. Nous savions avant cela que toute l’action ne durerait pas six secondes, dont une fraction en l’air. Il n’y avait que cette possibilité pour l’image parfaite. Puis le saut a eu lieu et chacune de mes six caméras motorisées a tourné un film.

Avez-vous capturé le moment ?

Oui. Mais la photo était finalement assez ennuyeuse. On voyait juste deux maisons et cette voiture en l’air entre les deux. En principe, nous l’avons refait ensuite à Naples. C’est là que la voiture a sauté sur un ferry.

Donc plutôt de la photographie de produits…

Heureusement, j’ai souvent rencontré des gens qui m’ont simplement dit : Vous ne voulez pas essayer ? Carte Blanche. Faites ce que vous voulez, c’est tout. C’est pourquoi j’aurais des difficultés totales aujourd’hui. L’horreur a changé le monde. La pression du temps aussi. Ce sont les choses silencieuses qui m’intéressent et pour les montrer, il faut du temps. Je les ai obtenus à l’époque de la Golf démontée.

Pourquoi avez-vous continué à photographier des voitures ?

Ce qui me fascine dans la voiture, c’est que tout est fait dans la voiture, tout est conçu, pas seulement à l’extérieur, mais aussi tout ce qui ne se voit pas. C’est hautement technologique, et quand c’est bon, c’est un très bel objet. On s’y installe, c’est confortable, on est bien assis, on sait exactement à quoi sert chaque poignée. Vous tournez une clé, du moins dans l’automobile classique, vous avez soudain une force incroyable à votre disposition. Vous roulez, si j’appuie sur une pédale, à 200 km/h et si j’appuie sur une autre pédale, la chose s’arrête en quelques secondes. On ne peut pas sortir de cette fascination.

Vous avez décidé de céder l’œuvre de votre vie, qui compte plus de 10 000 motifs personnels, ainsi que toute votre collection de photos au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg. Parmi elles, des œuvres d’Irving Penn, Joel Sternfeld, Barbara Klemm et Bruce Weber, entre autres. Qu’est-ce qui vous a poussé à le faire ?

Ce n’est pas une décision que j’ai prise du jour au lendemain. J’ai longuement réfléchi à ce que je pouvais faire de mes archives et de ma collection. L’idée de la donation s’est développée au fil du temps. Elle m’est venue pour la première fois lorsque j’ai fait partie d’une série d’expositions pour lesquelles la conservatrice du MK&G avait invité des photographes pendant plusieurs années. Les photographes devaient assembler leurs propres images avec des photos de la collection du musée. En regardant mon exposition, j’ai remarqué une véritable interaction, les œuvres vivaient d’une certaine manière. Il en résultait quelque chose de particulier : une transparence. Un jour, je suis allé voir la conservatrice et je lui ai dit : je vous donnerais tout si vous le vouliez.

Cela semble être une très grande décision. Comment la conservatrice a-t-elle réagi ?

Elle a été ravie et a accepté l’offre. Mais d’autres personnes sont venues me voir pour me demander pourquoi j’avais fait ça. Je pense que ma collection a tout simplement trouvé sa place dans la maison. Pour moi, c’était une solution heureuse. Maintenant, tout le monde peut voir ma collection, et c’est une bonne solution après tout.

Votre collection comprend, entre autres, des travaux de jeunes photographes. Quelle était l’importance pour vous de soutenir et d’encourager les jeunes talents ?

Je rencontre souvent de jeunes photographes lors d’ateliers ou lorsque j’enseigne. Parfois, certains postulent aussi comme assistants et parfois ces talents apportent de très belles photos et je dis alors : « Viens, je vais t’acheter quelques photos ». Ou si j’ai l’impression que je peux aider cette personne, je le fais. Je pense que c’est très important, car s’ils n’ont personne pour leur acheter quoi que ce soit, ils ne se lancent pas du tout. Tout le monde a toujours besoin d’aide d’une manière ou d’une autre. Pour les photographes, il s’agit soit d’une motivation, soit d’un soutien économique par l’achat d’œuvres. C’est très simple. En effet, en tant que jeune artiste, le fait que quelqu’un achète quelque chose me montre que cette personne apprécie mes tableaux. Que tout ce que je fais n’est pas mauvais. C’est un peu ce qui m’est arrivé avec le designer finlandais.

Vous arrive-t-il de rencontrer d’anciens élèves ou des assistants à vous ?

Oui, et certains d’entre eux sont restés dans le domaine de la photographie jusqu’à aujourd’hui et se sont hissés au sommet. J’aime ça. Mais certains ont aussi disparu sans laisser de traces.

Entre-temps, vous n’acceptez plus de grands projets. Travaillez-vous toujours ?

Si je commence quelque chose de nouveau aujourd’hui, il doit y avoir une forte étincelle initiale. Il y a en effet un projet que j’ai en tête depuis longtemps. Aux États-Unis, j’ai eu l’occasion de photographier une voiture sur une route de campagne qui avait reculé dans un arbre et avait brûlé. Il en résultait un contraste entre la partie arrière noire « maléfique » de la voiture et la partie avant d’un blanc immaculé. J’aimerais recréer ce genre de situation en studio, non pas en l’enjolivant, mais en la rendant vraiment dure.