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SABINE MARCELIS

Editorial  

Sabine Marcelis a grandi en Nouvelle-Zélande, a pratiqué le snowboard et est aujourd’hui l’une des créatrices les plus passionnantes du moment. Elle travaille pour des marques comme Céline et Fendi – et rafraîchit la scène automobile avec des perspectives et des approches inhabituelles. Une rencontre à Rotterdam.

Jörn Kengelbach : Sabine Marcelis, vous êtes devenue en quelques années l’un des designers les plus en vue d’Europe et vous avez déjà présenté toute une série de travaux inoubliables. Pouvez-vous nous dire ce qui fait d’une création une icône du design ?

Sabine Marcelis : Il y a deux choses qui, à mon avis, font d’un travail exceptionnel une icône du design : Lorsqu’un design porte une signature bien précise – tout en réussissant à être intemporel. Je pense que pour de nombreux designs emblématiques, la fonction n’a pas besoin d’être si importante. Les choses qui ont une fonction très bien conçue ne deviennent pas automatiquement des icônes. Cela ne suffit pas. Elles doivent durer, rester passionnantes. C’est pourquoi j’essaie toujours de trouver cette intemporalité dans mes travaux. Je pense qu’il est important de mettre au monde des choses qui ne sont pas simplement à la mode – ou des choses dont les gens voudront peut-être se débarrasser dans quelques années.

Giles Square dans le cadre du London Design Festival, vous présentez vos travaux à Art Basel ou travaillez pour des marques comme Céline, Dior et Bulgari – mais aussi pour IKEA. Comment cela s’accorde-t-il avec votre maxime d’intemporalité ?

Pour le projet avec Ikea, j’avais justement en tête cette intemporalité, même si je crée habituellement des éditions limitées ou des pièces uniques. Si vous concevez quelque chose destiné à être acheté par le grand public, mon pire cauchemar serait que les clients veuillent s’en débarrasser au bout de quelques années. En fait, il est surprenant de voir combien de temps les bons designs durent, même ceux des grandes maisons. Même une telle commande laisse suffisamment de place pour être plus insolite et intemporelle que le reste.

En tant qu’expert, comment définissez-vous un bon design ?

Un bon design doit être quelque chose que l’on peut utiliser toute sa vie. En matière de conception de produits, vous devriez pouvoir disposer d’un bon produit dans votre premier appartement jusqu’à votre propre maison. Il doit toujours rester pertinent, quel que soit son environnement.

Anticiper l’avenir fait partie de votre travail. En d’autres termes, concevoir ce qui fera référence demain et, idéalement, au-delà. D’autre part, il faut parfois de nombreuses années, voire des décennies, pour reconnaître ce qui n’était pas seulement à la mode, mais qui a vraiment duré. Comment abordez-vous personnellement les tendances ?

Il est préférable d’ignorer les tendances. Ils sont créés par les médias, donnent aux magazines quelque chose sur quoi écrire. Ils sont un prétexte pour les entreprises pour sortir de nouvelles couleurs et vendre plus. Ils sont dangereux parce qu’ils impliquent qu’il y a des choses qui ne sont pas à la mode et dont il faut se débarrasser. Je refuse.

Quels sont les designs qui vous ont personnellement le plus impressionné ou même marqué ?

Pour le premier, je ne sais même pas qui l’a conçu. Mais l’objet est fait de manière si intelligente ! C’est un ouvre-boîte, de conception japonaise. Il se déplace de lui-même pendant que vous faites levier sur une boîte de conserve. Une conception très simple et qui fonctionne parfaitement. Le deuxième projet n’est pas si vieux, peut-être dix ans. Il a été conçu par une designer suédoise, Jenny Nordberg. Elle a conçu ce miroir, qui est en fait une plaque de verre flotté qu’elle a aspergée de nitrate d’argent. Ces éclaboussures organiques changent tout sur le miroir. Pour moi, c’est un bel exemple de la façon dont on peut travailler avec des matériaux. Car chacun de ces miroirs est unique. Cet objet fait partie des designs pour lesquels je dis : j’aimerais qu’il soit de moi. J’aime également intégrer le troisième design dans mes propres projets d’intérieur. Je l’ai moi-même chez moi : le canapé Osaka de Pierre Paulin datant de 1970. Il est tellement polyvalent qu’il se compose de trois segments différents et peut être installé tout droit ou courbé. J’apprécie ce type de flexibilité. Ce que je préfère, c’est que les utilisateurs attentifs peuvent voir que ce système flexible est à la base du canapé. Au premier coup d’œil, on ne pense qu’à un canapé cool. Mais si l’on y regarde de plus près, elle cache une conception vraiment astucieuse. Je suis impressionné par les différents niveaux de cette conception.

L’année dernière, vous avez présenté pour Renault un show-car rétro-futuriste de la première Twingo de 1993 – et vous avez fait grand bruit. Qu’est-ce qui vous a particulièrement attiré dans ce véhicule ?

Renault m’avait demandé de créer quelque chose pour le 30e anniversaire de la Twingo. Il ne s’agissait donc pas d’une étude prospective, mais de faire vivre les détails iconiques de la Twingo. Je connaissais bien le véhicule, mais je ne l’avais jamais considéré comme une voiture particulière. Ce sont souvent les projets les plus charmants, lorsque l’on se demande : « Que faire si quelque chose ne me plaît pas du tout au premier abord ?

Sont-ils satisfaits du résultat ?

Oui. Car j’avais sous-estimé la puissance de la Twingo au début. Il est ingénieux si l’on s’y intéresse de plus près. Le métal de la carrosserie est visible à l’intérieur, les sièges rabattables associés à la banquette arrière créent de l’espace comme dans un camping-car.

Comment avez-vous approché ce design automobile ?

J’ai identifié les caractéristiques clés et les ai poussées à l’extrême. Par exemple, avec un grand rétroviseur d’une seule pièce intégré au pare-soleil. Ainsi, plusieurs fonctions deviennent un seul objet, et c’est ce que j’aime dans la Twingo. C’était un défi pour moi de travailler sur ce projet, car je n’avais jamais travaillé sur une voiture auparavant. Il vous ouvre également les yeux sur le travail des designers automobiles. C’est une discipline extrêmement exigeante.

Le show-car comportait également un élément typique de Sabine Marcelis – un volant transparent et fluorescent. La transparence semble être un élément fédérateur dans votre travail. D’où vient votre enthousiasme pour les surfaces et les matériaux transparents ?

J’ai toujours été très attiré par la façon dont on peut penser la lumière et la matière ensemble. Des composants tels que la transparence, la réflexion et les couleurs s’ajoutent assez rapidement. Ces composants constituent la boîte à outils pour jouer avec la lumière – et oui : dans la plupart de mes projets, je travaille avec au moins une de ces trois approches.

Comment cela a-t-il affecté votre travail chez Renault ?

Ma première idée était de concevoir une voiture entièrement transparente pour célébrer la construction. Rendre visibles tous les détails, par exemple où le métal a été renforcé, etc. Mais cela n’était malheureusement pas techniquement possible. Nous avons donc fabriqué une double coque. La couche extérieure est maintenant transparente afin de pouvoir voir la structure. L’extérieur est constitué d’une seule pièce d’acrylique, c’est-à-dire les fenêtres et la carrosserie. Un fondu enchaîné de l’opacité de bas en haut crée un effet intéressant : si l’on regarde la voiture sous un angle de 45 degrés, elle est totalement opaque. Si vous bougez, il devient transparent. Je trouve attrayant de créer des objets que l’on peut redécouvrir sous différents angles.

Son goût pour la transparence l’amène inévitablement à se comparer à des artistes de la lumière comme Olafur Eliasson ou Helen Pashgian. Les comparaisons sont-elles compréhensibles pour vous ?

Absolument. Ce sont surtout les premiers travaux qui m’ont inspiré, le mouvement californien Light and Space des années 1950 à 1970. J’admire les pionniers de cette façon de penser. Cela se reflète également dans les matériaux, comme les résines de coulée, avec lesquels je travaille beaucoup. Le sculpteur DeWain Valentine, récemment décédé, a été le premier à les utiliser. Helen Pashgian a également été une grande source d’inspiration.

Faites-vous beaucoup de recherches dans le passé ?

Dans mon travail, j’essaie de ne pas faire trop de recherches sur ce que font ou ont fait d’autres artistes ou designers. Il est plus intéressant de s’inspirer de sources inattendues ou simplement de sortir et d’expérimenter la lumière et l’espace. Par exemple, dans la nature.

Philippe Starck a mentionné un jour dans une interview qu’il évitait les villes car elles ne montraient que des choses fabriquées par l’homme. Ce qu’il préfère, c’est être loin de la nature et encore plus près de la mer, car l’homme ne peut pas la transformer.

Exactement. La nature est le meilleur concepteur. Quand je suis dans un avion, au-dessus des nuages et que le soleil se couche, je me dis qu’il n’y a rien de plus beau que cela ? Personne ne dit dans un tel moment : « C’est vraiment laid. Dans mon travail, j’essaie de faire revivre ces moments. Que ce soit la façon dont le soleil scintille sur la mer pendant la journée, la lune sur l’océan la nuit ou la façon dont une goutte de pluie s’accroche quelque part, tous ces minuscules détails peuvent être le point de départ d’une nouvelle idée.

Comment faire vivre des projets quand on aime autant que vous travailler avec la lumière ? Faites-vous des rendus ou des croquis élaborés ?

Déjà, pendant mes études, de nombreux camarades étaient souvent plus doués pour réaliser des esquisses 3D rendues. Jusqu’à présent, je travaille plutôt avec des esquisses simples, presque naïves. Pour moi, cela fonctionne. Je peux ainsi communiquer mes idées à mon équipe.

Prenez-vous des notes lors de vos déplacements ?

Je ne prends jamais de notes lorsque j’ai une inspiration. Je vis comme une énorme éponge. Et lorsque je veux créer quelque chose ou que l’on m’impose un projet, je puise dans cette éponge. Cela fonctionne même dans cette conversation : Je suis content de ne pas avoir vu les questions avant. Maintenant, tout est beaucoup plus spontané. Et vous obtiendrez des réponses honnêtes.

Vous n’avez pas l’air de quelqu’un qui travaille spontanément. Vos projets semblent très précis. Dans votre vie antérieure, vous étiez snowboardeuse professionnelle. D’où leur orientation vers un objectif ?

Peut-être surtout la détermination à vouloir créer quelque chose en équipe ! On l’apprend vite dans le sport de compétition : on n’est jamais vraiment un combattant solitaire, même dans les sports individuels. Même pour les designs, je dois toujours communiquer clairement avec les collaborateurs, développer un plan – et ensuite travailler avec mon équipe pour le mettre en œuvre. Je dois faire adhérer mon équipe à chaque projet, fixer des objectifs auxquels tout le monde croit.

Et si son équipe dit non ?

Non n’est pas une réponse pour moi. Pour moi, non signifie : réfléchissez bien ! Et si on y arrivait ? Et quand quelque chose va mal, c’est comme apprendre un nouveau trick en snowboard : il faut alors analyser ce qui a mal tourné. Comment puis-je m’améliorer sans répéter la même erreur ? Prenons un exemple : Il y a des années, nous avons réalisé un projet pour Fendi qui comprenait dix fontaines. Je n’avais jamais pensé au fonctionnement d’une fontaine. Quand la marque a dit : « Cool, faisons-le ! », je me suis dit : « Oh, mon Dieu, maintenant je dois vraiment le faire. Je me laisse souvent emporter par des projets très ambitieux.

En tant que designer, ils sont depuis longtemps devenus une marque. Qu’est-ce que cela représente pour vous aujourd’hui de travailler avec de grandes marques ?

Très différents. Et presque toujours stimulante. Bien sûr, je reçois aussi des demandes où le projet est presque terminé et où l’on me demande : « Pouvez-vous le faire pour nous ? Mais si la liberté créative fait défaut, je ne suis pas intéressé. La valeur ajoutée d’une collaboration entre mon studio et une autre marque réside dans la fusion des univers qui animent les deux parties. Le résultat doit être quelque chose que je n’aurais pas fait s’il s’était agi d’un projet indépendant. Pour la marque, il doit s’agir de quelque chose qui a également une valeur ajoutée. Pour cela, il faut définitivement une grande liberté de création. Fendi est à nouveau un bon exemple. La mission initiale était de concevoir des meubles. Cela ne semblait pas correct. J’ai donc fait des recherches. Le thème de l’eau est apparu à plusieurs reprises comme motif dans le travail de Fendi – d’où les fontaines. C’est à cela que je mesure les grandes marques : au courage de s’engager dans de telles idées et processus.

Vos objets apparaissent presque parfaits. Quelle est l’importance de la fabrication dans votre travail ?

Deux aspects sont essentiels : beaucoup de mes créations sont si minimalistes qu’elles doivent être vraiment parfaitement exécutées pour fonctionner. Peu importe qu’il s’agisse plutôt de projets artisanaux ou industriels. Des artisans étonnants sont à l’œuvre pour les designs en résine moulée qui sont fabriqués ici, dans l’atelier voisin. J’ai beaucoup de respect pour eux. Il en va de même pour le verre, plutôt un processus industriel. Mais celui-ci doit également être parfaitement adapté. J’aime le perfectionnisme. En ce moment, je travaille sur un projet au Japon qui pousse la perfection et l’artisanat à l’extrême. Le gouvernement y a identifié de nombreux métiers différents qui sont en train de disparaître parce qu’il existe des alternatives industrielles moins chères. Il s’agit pour « mon » projet de travaux de peinture extrêmement coûteux. Un processus qui dure des mois, des couches et des couches sont appliquées sur des objets en bois comme du vernis à ongles, mais à base de résine naturelle. Les produits, souvent des coques, sèchent pendant une semaine, puis l’artisan passe à la couche suivante. Un village entier a été construit autour de cet artisanat. Il y a un ouvrier qui travaille le bois à côté de la rivière parce qu’ils ont transporté les troncs par la rivière. Puis il passe à l’expert suivant, qui fait l’étape suivante, et ainsi de suite. Lorsque le père de l’actuel propriétaire dirigeait l’entreprise, il y avait 170 employés, il n’y en a plus que cinq aujourd’hui et la population est vieillissante. Il ne sait donc même pas s’il y aura une prochaine génération. Déchirant. Et pourtant incroyablement fascinant. Le gouvernement japonais souhaite promouvoir et faire connaître cet artisanat. Ils tentent d’ancrer les techniques de fabrication dans le domaine du design de collection.

Collectionner est un bon mot clé. Nombre de vos créations sont depuis longtemps des objets de collection très recherchés. Les frontières de l’art et du design s’estompent dans votre travail.

Je travaille dans une zone grise. Pour certains projets, je me dis que c’est définitivement de l’art et non plus du design. Mais la raison principale pour laquelle mes travaux ont atterri dans ce domaine de collection dès le début est tout simplement que j’aime utiliser des matériaux de haute qualité qui sont traités selon des processus complexes et coûteux. On atteint un point de prix où il s’agit rapidement d’éditions limitées ou de pièces uniques. C’est aussi en partie parce que je veux -expérimenter et repousser les limites des matériaux avec lesquels je travaille. Souvent, il n’existe tout simplement pas de méthode de production optimisée pour la production de masse.

Quelle est la partie du processus de conception que vous préférez ?

Lorsque nous sommes dans l’atelier et que nous travaillons directement avec les spécialistes des matériaux et les producteurs. Je n’aime pas trop les processus industriels. Dans des projets comme ceux d’Ikea, vous faites un projet, vous l’envoyez et quelqu’un réalise le design. Bien sûr, c’était un projet très intéressant, mais être présent dans le processus est important pour moi.

Vous travaillez beaucoup avec des plastiques ou des matériaux artificiels. Qu’est-ce qui vous attire dans ce domaine ?

C’est pourquoi j’aime travailler avec des pierres comme l’onyx et le marbre, car leurs couleurs vives peuvent aussi avoir un aspect très artificiel. Et le fait de combiner ces matériaux avec de la résine éveille la curiosité : Quelle partie est naturelle ? D’ailleurs, la frontière entre les composants naturels et artificiels s’estompe également dans les résines synthétiques : Auparavant, on comptait généralement cinq pour cent de composants biologiques dans l’ensemble de la formule, alors qu’ils représentent désormais jusqu’à 80 pour cent.

Vous avez également travaillé pour la Mille Miglia, autrefois la légendaire course de voitures casse-cou de Brescia à Rome et retour, aujourd’hui l’un des plus importants événements de voitures classiques au monde. Ont-ils participé à l’événement ?

Oui. J’étais là, bien sûr. La première année de collaboration, nous avons conçu les trophées en résine. L’année dernière, on nous avait demandé de réaliser une installation spéciale composée de huit sculptures différentes. Chacune d’entre elles célébrait des détails d’innovations automobiles. C’est-à-dire les pistons, le moteur, l’hydraulique, les phares, etc. Cette année encore, nous concevons les médailles et les coupes.

Qu’associez-vous personnellement au design automobile ?

Je ne me suis jamais dit : quand j’aurai de l’argent, j’achèterai telle ou telle voiture. Mais c’est précisément ce qui me permet d’aborder ce type de mission sans a priori. Je peux arriver à la réunion avec une feuille blanche et filtrer les choses qui sont intéressantes pour moi en tant que personne extérieure. J’ai beaucoup de respect pour la production automobile. Aussi parce que tant de métiers différents s’y côtoient. Les produits doivent fonctionner parfaitement pendant très longtemps. Faire rouler une voiture est probablement l’un des plus grands projets d’équipe humaine à ce jour.

Vous souvenez-vous avec quoi vous jouiez quand vous étiez enfant ?

J’ai joué avec des Transformers, qui sont en partie des machines et en partie des humains, et beaucoup avec des Lego. Mais plus important encore, ma sœur et moi avons été éduquées par nos parents à être créatives, même si elles ne le sont pas forcément elles-mêmes. Par exemple, ils ne voulaient jamais rien de matériel ou d’acheté pour leurs anniversaires. Ils disaient toujours : « Fais-moi quelque chose ! Ensuite, nous avons bricolé. Mes parents ont cultivé des fleurs en Nouvelle-Zélande pendant un certain temps et les ont vendues sur les marchés hebdomadaires. J’ai fait des bijoux et des sacs et j’ai fait comme eux. Cela a toujours été un exutoire pour moi de faire des choses – c’est resté. De plus, mon père est ingénieur et démontait les choses pour les comprendre. Je lui dois cette curiosité, ainsi que ma passion pour les usines : Je suis allé une fois chez Bentley à Crewe, en Angleterre. C’est pour moi de la folie pure, les chaînes de montage qui défilent.

Comment se déplacent-ils le plus volontiers ?

Je conduis une Polestar.

Une voiture électrique, c’est aussi une déclaration de design – le PDG est aussi le designer en chef.

Oh, je ne savais pas. Je suis tout simplement heureux avec ça, et j’aime vraiment le fait de ne jamais devoir aller à la station-service.

Vous aimez conduire ?

Oui, j’adore conduire ! Cela me donne des moments importants de solitude pendant la journée, car il y a toujours beaucoup de gens qui attendent quelque chose de moi. En voiture, je peux réfléchir. Mais cela a aussi un rapport avec ma jeunesse en Nouvelle-Zélande.

De quelle manière ?

Pour quelqu’un qui a grandi au milieu de nulle part en Nouvelle-Zélande, une voiture n’avait pas la même signification qu’ici à Rotterdam. J’ai passé mon permis de conduire quand j’ai eu 16 ans, c’est-à-dire exactement le jour de mon seizième anniversaire. J’ai reçu la vieille Isuzu Bighorn de mon père – et je me suis tout de suite senti libre. Les distances en Nouvelle-Zélande sont énormes, sept heures de route n’étaient pas une grosse affaire pour moi à l’époque. J’aime que ce sentiment de distance soit toujours présent en moi. Dans mon esprit, le monde est beaucoup plus petit parce que j’ai grandi dans un endroit où les choses sont si éloignées les unes des autres. La première voiture a donné une référence à mon monde.

Vos produits respirent la coolitude. Vous utilisez souvent le terme de joie dans la conversation. Le design peut-il être drôle ?

Je ne me considère pas comme quelqu’un de froid ou de sérieux. Tout design doit susciter des émotions chez les gens. Et je veux qu’elles soient positives. Si les gens pensent que mon design est amusant, c’est formidable.

Parmi vos créations, lesquelles sont aujourd’hui les plus recherchées par les collectionneurs ?

L’un de mes tout premiers projets était le Candy Cube. Nous le vendons toujours, un objet intemporel. Il a développé sa propre vie, car à l’origine, il était destiné à stocker des sacs et des chaussures pour une marque de mode. Il a ensuite été commandé comme table d’appoint. L’année dernière, le Vitra Design Museum en a fait l’acquisition et l’a placée sur ses affiches aux côtés de créations de chaises emblématiques. La chanteuse néo-zélandaise Lorde l’a emmené avec elle lors de sa tournée. Je trouve passionnant que le Candy Cube soit si ambigu que chacun lui donne sa propre signification. La relation personnelle de nombreuses personnes a même permis l’émergence d’un marché de seconde main pour lui. Ce qui est fou – et je ne m’y attendais pas – c’est que cela continue avec la collection Ikea, la plupart de ces designs étaient en édition limitée. Entre-temps, il faut payer plusieurs fois le prix de vente.

Y a-t-il des choses qu’ils collectionnent ?

Je possède une quantité aberrante de lunettes de soleil.

Parmi elles, probablement de vieilles lunettes de snowboard avec des filtres criards ?

Y compris ceux de ce type. Mais les lunettes sont tout simplement liées à mon travail. Il s’agit de filtrage, de couleur et de verre. Cela me fascine tout simplement. Et vous savez, vous pouvez porter le t-shirt le plus ennuyeux ou le jean le plus vieux, mais si vous l’associez à de bonnes lunettes de soleil, vous aurez tout de suite l’air formidable.

Vous avez un fils de quatre ans. Comprend-il ce que fait sa mère ?

Oui, il sait définitivement que je suis designer, car il montre souvent des objets et demande : « C’est toi qui as conçu ça ? Il sait très bien que j’ai conçu des miroirs. Il le montre souvent du doigt. Au fond, le design, c’est comme voir avec d’autres yeux. Lorsque l’on perçoit des objets pour la première fois, comme mon fils, on se pose des questions : pourquoi quelque chose ressemble-t-il à cela ? Un enfant ne sait pas pourquoi il fait noir la nuit. Les enfants nous aident à réfléchir à la vie de tous les jours.

Est-ce pour cela que vous concevez toujours des objets du quotidien ?

Peut-être. En tout cas, on peut voir des détails merveilleux dans l’ordinaire. J’ai conçu une fois pour Audi une borne de recharge pour voitures électriques. Il s’agissait de concevoir une station de recharge pour la ville d’Amsterdam. Nous avons analysé les matériaux qui rendent Amsterdam intéressant. Les bâtiments y sont en effet construits profondément dans le sable, ce qui assure leur stabilité. Ils sont entourés d’eau, qui est partout, et qui reflète la ville en elle-même. J’ai utilisé le pouvoir de ces matériaux. La base est constituée de sable imprimé en 3D. Sur cette base, j’ai placé la luminosité du ciel pour la partie supérieure. Cette partie transparente devait, comme l’eau des canaux, refléter la lumière de la ville. Ce verre feuilleté contient des panneaux solaires

… qui ont malheureusement toujours la même laideur.

Exactement. Ils sont toujours un compromis. J’ai donc travaillé avec un fabricant de verre pour rendre ces cellules solaires invisibles. Le verre laisse toujours passer suffisamment de rayons de soleil. L’année dernière, j’ai construit en Egypte un grand cadran solaire en verre avec le même type de cellules solaires. L’horloge se recharge pendant la journée, ce qui lui permet de s’éclairer la nuit grâce à la lumière du soleil emmagasinée. Cette technologie permet aux objets éclairés en extérieur d’être totalement autonomes et de s’auto-alimenter en énergie.

Vos clients remettent-ils toujours en question vos créations ? Ou ont-ils déjà trop de respect pour vous ?

Définitivement un piège dans lequel on peut tomber. De nombreux clients ne s’attendent pas à quelque chose de nouveau, mais surtout à quelque chose de similaire lorsqu’ils s’adressent à moi. J’aime défier cette attente.